Paris est l’une des destinations ultimes pour les amateurs d’art et d’architecture. Avec un éventail de musées de classe mondiale, il n’est pas étonnant que des milliers de touristes affluent chaque année dans la Ville Lumière. Et même s’il y en a beaucoup qui valent le détour, le Louvre reste le musée d’art le plus visité au monde.
Dans ce palais historique se trouvent plus de 7 500 peintures. Alors que certains d’entre eux sont des chefs-d’œuvre plus connus, comme Mona Lisa de Léonard de Vinci et La Liberté guidant le peuple de Delacroix, d’autres peuvent ne pas être aussi reconnaissables pour un fan occasionnel.
Ici, nous explorons certaines des peintures les plus célèbres que vous pouvez voir au musée du Louvre aujourd’hui.
Qu’est-ce que le Louvre ?
Musée du Louvre à Paris
Le musée du Louvre, ou musée du Louvre, est le musée le plus visité au monde et abrite certaines des sculptures et des peintures les plus célèbres. Située à Paris, en France, l’institution artistique historique existe depuis environ 800 ans.
Ses origines remontent au XIIe siècle lorsque le roi Philippe Auguste voulut fortifier Paris par une enceinte d’enceinte. Cependant, en raison de la Seine, la frontière a été laissée partiellement ouverte. Pour compenser cette faiblesse, un château a été construit par le mur. Plus tard, au 13ème siècle, le château a été agrandi, devenant moins une forteresse et plus un palais.
Au fil du temps, alors que Paris grandissait au-delà de ses frontières, la structure a été réaménagée en cachette pour la royauté française. Puis, en 1528, le roi François Ier déclara le Louvre sa résidence, nécessitant d’importants travaux de rénovation sur le terrain. Des centaines d’années passèrent et le palais connut davantage de constructions sous le règne du roi Louis XIII – qui ajouta des ailes – et de Louis IV (le célèbre « Roi Soleil ») – qui ajouta de nombreuses galeries. Par la suite, les galeries ont été utilisées pour abriter la collection d’art du roi. À partir de 1684, les visiteurs ont été autorisés à les visiter lorsque le roi ne vivait pas au Louvre, ce qui est le début de son histoire muséale.
Après avoir fonctionné comme musée privé pendant plusieurs décennies, la Révolution française a déclenché la transformation du palais en musée public, inauguré officiellement le 10 août 1793.
Combien y a-t-il de tableaux au Louvre ?
Le Louvre contient plus de 7 500 peintures, dont beaucoup sont d’artistes français. La vaste collection présente des œuvres d’art datant du XIIIe siècle jusqu’au milieu du XIXe siècle, englobant plusieurs mouvements et styles artistiques différents. De plus, la plupart des peintures italiennes, telles que la célèbre Mona Lisa, située au Louvre, ont été acquises par François Ier et Louis XIV.
Tableaux célèbres du Louvre
GIOTTO, ST. FRANÇOIS D’ASSISE RECEVANT LES STIGMATES, V. 1295-1300
1295–1300
À une époque où le style byzantin des compositions plates et stylisées dominait l’Italie, l’artiste de la Proto-Renaissance Giotto basait son art sur la vie. Ses peintures naturalistes ont jeté les bases de successeurs comme Botticelli et Michel-Ange. Son tableau Saint François recevant les stigmates était à l’origine destiné à l’église Saint-François de Pise, représentant une scène de la vie de saint François, dans laquelle il reçoit les stigmates du Christ sous la forme d’un ange.
RAPHAËL, ST. MICHAEL ACCROCHANT LE DÉMON, 1518
Raphaël était l’une des figures les plus influentes de la Renaissance italienne. Bien qu’il n’ait vécu que jusqu’à 37 ans, il a laissé derrière lui une œuvre influente. Sa peinture Saint Michel Vaincre Satan a été réalisée deux ans avant sa mort, représentant l’archange Michel soumettant Satan avec sa lance. Il symbolise le triomphe du bien sur le mal.
LEONARDO DA VINCI, LA VIERGE SUR LES ROCHERS, V. 1483-1486
Avec Michel-Ange et Raphaël, Léonard de Vinci est considéré comme l’un des piliers de la Renaissance italienne. Il a créé deux versions de la Vierge aux Rochers de son vivant, mais la première version, plus appréciée des historiens, est exposée au Louvre. Il présente une représentation aux couleurs douces de la Vierge Marie et de l’ange Uriel supervisant l’enfant Jésus et le tout-petit Jean-Baptiste, dans un paysage vert rocheux rendu en sfumato.
LEONARDO DA VINCI, LA VIERGE ET L’ENFANT AVEC SAINTE ANNE, V. 1501-1519
Bien qu’il soit resté inachevé, La Vierge et l’Enfant avec sainte Anne est un tableau important de Léonard de Vinci, principalement en raison de son mystère. Utilisant son style de peinture floue reconnaissable, il représente Marie assise sur les genoux de sainte Anne, tandis qu’un bébé Jésus joue avec un agneau. L’étrange composition continue d’intriguer les historiens de l’art, car il s’agit d’une représentation atypique de Marie et sainte Anne. De plus, en raison de la perspective, il semble que Sainte Anne soit représentée beaucoup plus grande que Marie. Alors qu’il a été commandé par François Ier pour célébrer la naissance de sa fille, Da Vinci ne l’a jamais achevé pour des raisons inconnues.
LEONARDO DA VINCI, THE MONA LISA, C. 1503–1506
Réputée à la fois pour sa curieuse iconographie et son histoire unique, la Joconde de Léonard de Vinci est devenue l’une des peintures les plus célèbres de l’histoire de l’art. Le portrait de la Renaissance présente une figure féminine – considérée par la plupart comme étant Lisa Gherardini, l’épouse du marchand de tissus et de soie Francesco Giocondo – à partir de la taille. Elle est représentée assise dans une loggia ou une pièce avec au moins un côté ouvert.
Derrière elle se trouve un paysage brumeux et apparemment isolé imaginé par l’artiste et peint à l’aide de sfumato, une technique résultant en des formes « sans lignes ni bordures, à la manière de la fumée ou au-delà du plan de mise au point ».
ANDREA MANTEGNA, MINERVE CHASSANT LES VICES DU JARDIN DE LA VERTU, 1502
Pionnier de la Renaissance italienne, Andrea Mantegna a créé un corpus diversifié d’œuvres explorant la perspective. Son tableau Minerve expulsant les vices du jardin de la vertu a été achevé pour Isabelle d’Este et représente la déesse romaine Minerve sauvant Diane, la déesse de la chasteté, d’un centaure.
PIETRO PERUGINO, LA BATAILLE ENTRE L’AMOUR ET LA CHASTETÉ, 1503
L’artiste de la Renaissance Pietro Perugino est surtout connu pour son rôle de tuteur de Raphaël. Cependant, il a également laissé un portefeuille de chefs-d’œuvre. Son tableau La bataille entre l’amour et la chasteté a été achevé pour la marquise de Mantoue, Isabelle d’Este. Il dépeint une lutte entre les figures symboliques de l’Amour et de la Chasteté à la détrempe.
TITIEN (ATTRIBUÉ), LE CONCERT PASTORAL, 1509
À la Renaissance, l’école vénitienne et l’école florentine ont cherché le meilleur moyen d’imiter la nature dans leur art. Cependant, alors que l’école florentine croyait aux pouvoirs éclairés du dessin, l’école vénitienne s’est concentrée sur la couleur et ses qualités émotionnelles. Le Concert Pastoral incarne les valeurs de ce style, représentant un rassemblement de quatre personnages dans un cadre pittoresque au naturalisme saisissant. Bien qu’à l’origine attribuée à Giorgione, les historiens de l’art pensent que cette peinture est plus probablement une des premières œuvres de son contemporain Titien, connu pour ses représentations de femmes voluptueuses.
VÉRONESE, LES NOCES DE CANA, 1563
Vers la fin de la Renaissance, un nouveau style a émergé appelé maniérisme. Il a apporté une touche stylisée au classicisme en allongeant les figures et en les plaçant dans des arrangements intentionnellement parfaits. Cet intérêt pour la symétrie non naturelle peut être vu dans Les noces de Cana. Réalisée par l’artiste Paolo Veronese en 1563, il s’agit d’une peinture à grande échelle avec des dizaines de personnages emballés à l’intérieur de la composition. Il a été amené au Louvre après les guerres de la Révolution française au XVIIIe siècle.
CARAVAGGE, MORT DE LA VIERGE, V. 1604-1606
La période baroque était un mouvement artistique défini par un intérêt pour les œuvres dramatiques et impressionnantes. L’un des artistes responsables de la création des principales caractéristiques de ce style est le peintre italien Caravaggio. Son œuvre, Mort de la Vierge, représente de nombreuses caractéristiques clés de son style dramatique, notamment un fort contraste entre la lumière et l’obscurité, une seule source de lumière, des gens ordinaires comme modèles et la représentation d’un seul instant dans le temps. Cependant, en raison de la représentation non conventionnelle de la Vierge Marie, le tableau a été rejeté par le commissaire.
GEORGES DE LA TOUR, LE COUPE AVEC L’AS DE CARREAU, V. 1634
L’artiste baroque Georges de La Tour était connu pour ses peintures en clair-obscur avec des personnages lisses ressemblant à des poupées. Son tableau The Card Sharp with the Ace of Diamonds représente un jeu de cartes sur un fond noir dans lequel un jeune homme récupère un as de carreau dans son dos, dans l’espoir de gagner la partie.
NICOLAS POUSSIN,L’enlèvement des Sabines, 1637-1638
L’artiste français Nicolas Poussin a cultivé un style baroque basé sur les couleurs vives, la clarté et la ligne. Il a transmis le drame dans ses peintures en organisant de nombreuses figures dans des poses actives, comme on le voit dans sa pièce L’enlèvement des Sabines. Ici, la scène chaotique est créée par les dizaines de personnages qui courent, sautent et se tordent obstruant le grand espace ouvert.
JOHANNES VERMEER, LA DENTELLIERE, V. 1669–1671
Au XVIIe siècle, les Pays-Bas ont connu une période de prospérité artistique connue sous le nom d’Âge d’or hollandais. L’un des artistes qui ont émergé de cette période était Johannes Vermeer. Mieux connu pour son chef-d’œuvre La fille à la perle, il a créé des peintures relativement petites avec une attention méticuleuse aux détails, à la lumière et à la couleur. La Dentellière est sa plus petite œuvre connue, qui représente une jeune femme en robe jaune faisant soigneusement de la dentelle aux fuseaux. Il a très probablement utilisé une camera obscura – un appareil d’artiste populaire – pour l’aider à exécuter la composition de la pièce.
HYACINTHE RIGAUD, PORTRAIT DE LOUIS XIV, V. 1700-1701
Louis XIV a régné sur la France pendant plus de 72 ans, le plus long règne de tous les monarques d’une nation souveraine. Pendant cette période, il a supervisé la construction de l’un des joyaux de la France : le château de Versailles. Hyacinthe Rigaud a immortalisé l’image du Roi Soleil dans le Portrait de Louis XIV. Initialement destiné à son petit-fils, le tableau est devenu le portrait officiel de Louis XIV et sa représentation la plus connue.
JACQUES-LOUIS DAVID, SERMENT DES HORATII, 1784
Établi au milieu des années 1700, le mouvement néoclassique est défini par un intérêt pour l’esthétique, les principes et les sujets classiques (c’est-à-dire romains et de la Grèce antique). L’art du peintre français Jacques Louis David – le chef de file du style – représente les caractéristiques de la peinture néoclassique. Son œuvre, Le Serment des Horaces incarne ces traits dans la représentation d’une légende romaine, la palette de couleurs austère et la composition harmonieuse.
JACQUES-LOUIS DAVID, LE COURONNEMENT DE NAPOLEON, 1805-1807
About 2o years after he produced The Oath of the Horatii, David was the official painter of Napoleon and was commissioned to paint his coronation. The Coronation of Napoleon is a Neoclassical-style painting depicting the French leader—dressed in robes similar to Roman emperors—crowning himself before a large gathering. Included in the group of spectators are portraits of his wife Joséphine, his sisters, and even David, himself.
THÉODORE GÉRICAULT, LE RADEAU DE MÉDUSE, 1818-1819
Le mouvement artistique romantique mettait l’accent sur l’émotion, la sublimité de la nature et l’individu. Le Radeau de la Méduse de Théodore Géricault dépeint un naufrage historique au large des côtes de la Mauritanie actuelle, où les marins ont survécu à des conditions dangereuses pour trouver un refuge sûr. L’utilisation de l’échelle et du drame de la peinture en fait une pierre angulaire du romantisme français.
EUGÈNE DELACROIX, DANTE ET VIRGILE AUX ENFERS, 1822
Maître de la couleur, du mouvement et du drame, Eugène Delacroix était un chef de file du mouvement artistique du romantisme et une figure influente du travail des impressionnistes. Son œuvre couvre les événements contemporains, les scènes mythologiques, l’orientalisme et le portrait. Dante et Virgile en enfer était sa première grande peinture, représentant l’auteur Dante entouré de scènes de son poème épique, Inferno. Ici, le style de Delacroix s’écarte clairement des idéaux néoclassiques, se rapprochant des qualités expressives du romantisme pour lesquelles il se fera connaître.
EUGÈNE DELACROIX, LA LIBERTÉ GUIDANT LE PEUPLE, 1830
À l’automne 1830, Delacroix acheva ce qui allait devenir son tableau le plus célèbre et le plus admiré intitulé La Liberté guidant le peuple. Situé dans les rues de Paris (la cathédrale Notre-Dame est visible en arrière-plan enfumé) et plein de symbolisme, le tableau à grande échelle montre des Parisiens suivant une figure féminine portant le drapeau français. Ce personnage allégorique est généralement considéré comme une première version de Marianne, une personnification de la République française, et destiné à incarner le concept de liberté.
JEAN-AUGUST-DOMINIQUE INGRES, LE BAIN TURC, 1862
L’artiste français Jean-August-Dominique Ingres était un défenseur du style d’art néoclassique, alors même que le romantisme gagnait en popularité. En tant que maître du dessin, il a créé des peintures au rendu net avec une modélisation lisse et aucun coup de pinceau visible. Le bain turc fait partie de sa série de peintures orientalistes, représentant un harem de femmes nues se prélassant au bord de la piscine. Il a été achevé lorsque l’artiste avait 83 ans.